sábado, 5 de enero de 2013

El Parque Vigeland de Oslo I


El Parque de Vigeland, o Parque de las esculturas, es probablemente el parque más famoso de Noruega, es un área en el interior del Frognerparken, situado al oeste del centro de Oslo, capital del país.

Creado por el escultor noruego Gustav Vigeland entre los años 1907 y 1942 por encargo del ayuntamiento de Oslo. Es una exposición permanente de las esculturas realizadas por  Vigeland de entre los años 1926 y 1942.

El Parque de Vigeland ocupa una extensión de cerca de 32 hectáreas. La superficie del parque se articula en cinco áreas sucesivas:

1/La Rueda de la Vida

Una de las mas célebres esculturas del parque localizada al final del mismo, se llama “Livshjulet”, "la rueda de la vida", en la que siete figuras humanas, cuatro adultas y tres infantiles se entrelazan formando un círculo. 

La belleza del conjunto es indiscutible.
La arcilla era el material preferido por Vigeland, al ser la arcila blanda, le permitia trabajar con rapidez, por lo que era un medio excelente para su tremenda energía e inspiración.

La Rueda de la Vida fue modelada entre septiembre de 1933 y febrero de 1934. A continuación una copia maestra fue realizada en yeso.

Vigeland comenzó haciendo un modelo a pequeña escala de la Rueda de la Vida. Con maestros  herreros hizo una armadura de hierro en la escala total: tres metros de diámetro, utilizando una cuadrícula sobre el modelo. Ataron a cruces de madera con alambre de acero para detener el deslizamiento de barro cuando la escultura fue construida alrededor de la armadura.


Vigeland modela a mano, pero también  utiliza varios tipos de herramientas rudimentarias. Puntos del bosquejo yeso fueron trasladados al modelo de arcilla utilizando una red, una regla métrica y las pinzas. Finalmente la escultura fue   trabajada de nuevo con las herramientas más finas para conseguir la superficie deseada.

En el eje hacia el oeste desde el monolito es un reloj de sol, terminado alrededor de 1930,y, finalmente,la rueda de la vida, modelada en1933-34.
La rueda es un símbolo de la eternidad y que aquí se ejecuta como una guirnalda de mujeres, niños y hombres que sostienen el uno al otro.
 En cierto sentido,esta escultura resume el tema dramático de todo el parque: el viaje del hombre desde la cuna hasta la tumba,a través dela felicidad y la tristeza, a través de la fantasía, la esperanza y deseos de eternidad

A pesar del trabajo en la Rueda de la Vida es técnicamente difícil, Vigeland se mostró satisfecho con el resultado y èl mismo dijo : "Nunca me he sentido  tan realizado  como lo estoy ahora."

2/El Monolito



La mayor atracción del parque es el Monolito , que es un bloque único de granito que se alza sobre una plataforma octogonal escalonada, tiene 17 metros de altura, y está esculpido con 121 figuras humanas desnudas y entrelazadas.

Los primeros bocetos de la columna data de 1919. 


Vigeland lo modeló en arcilla en  tamaño completo en su nuevo estudio  , entre 1924 y 1925.Sólo le llevó diez meses.Posteriormente,fue vaciado  en yeso.

En otoño de 1926 un bloque de granito de cientos de toneladas de una cantera de piedra cerca de Halden, se transporta por  mar hasta el fiordo de Oslo.
El bloque llegó a su destino en 1927 y fue erigida el año siguiente.Se construyò una nave  alrededor de la piedra y el modelo de yeso se instaló a su lado.En 1929 se empezo a trabajar en la escultura. 


Tres talladores de piedra terminaron la obra en 14 años.

 En 1943 la última parte del modelo de yeso de la columna  se desmantelo y transporto al MuseoVigeland, donde todavía se puede admirar.



Antes de que la nave fuera desmantelada , en torno a la Navidad de 1944, se permitiò entrar a  180.000 visitantes para admirar  el resultado de cerca.

Es  el punto más alto del parque,  hay  que subir escaleras hacia el Monolito. La parte figurativa, con 121 figuras, es 14,12m y la altura total, incluyendo el zócalo,es de 17,3m de altura.

Es la columna que se entiende como la resurrección del hombre.
Mientras que el tema de la melancolía en la fuente es el ciclo de la vida eterna, la columna da lugar a una interpretación totalmente diferente: el anhelo del hombre y el anhelo por lo espiritual y divino.

Las personas  se sienten atraídas hacia el cielo, no sólo se caracteriza por la tristeza y la desesperación controlada, pero también las delicias y la esperanza,junto a un  sentimiento de unión, sosteniendo cuidadosamente entre sí el difícil sentido extraño de la salvación.

Es realmente impresionante la expresividad y la fuerza de las  piezas de Vigeland, cada una de ellas transmite  una emociòn distinta, desde la inocencia alegre de los niños a la sensualidad , belleza y  ternura de las reproducciones de ancianos .....un recorrido por las distintas edades, etapas, estados emocionales, que el ser humano experimentamos a lo largo de nuestra vida , es uno de esos sitios que  no hay que perderse.


En 1947, empezò
  la instalación de los 36 grupos de figuras en la meseta de Monolito .
Vigeland comenzó el trabajo en estos grupos de granito alrededor de la Primera Guerra Mundial y terminaron en 1936.

Al igual que en la fuente,el tema principal es el ciclo de la vida,en la que el hombre se representa en una variedad de situaciones típicas y relaciones humanas.
El acceso a la meseta Monolito es a través de ocho puertas figurativas en hierro forjado. 

En estas puertas, el hombre que representa a todas las edades,fueron diseñados entre 1933 y 1937, mientras que la ejecución no se terminó hasta después de la muerte del  artista.

miércoles, 5 de diciembre de 2012

MERIDA. EL TEATRO ROMANO DE AUGUSTA EMERITA


En la arqueología romana destaca sobremanera el Teatro de Augusta Emerita, por ser el edificio mejor conservado de todos los espacios de la antigua colonia y capital lusitana y por su singularidad tanto en forma y soluciones arquitectónicas como en elementos ornamentales y decorativos. 

Gracias a todo esto podemos restituir en gran medida la fisonomía del teatro y determinar, por tanto, que se trata de una estrella del patrimonio peninsular y mundial.
Poseemos una ingente producción de grabados y menciones antiguas que, en especial desde el siglo XVIII con las excavaciones del Marqués de Valdeflores y Villena, vienen a recordarnos la sensibilidad de todos cuantos contemplaron las moles emergentes de «aquel niño dormido en los brazos de un gigante», palabras de Mariano José de Larra para expresar el esplendor latente de la antigua Augusta Emerita en la Mérida que él conoce.

El teatro romano es el elemento más representativo del Conjunto Monumental de Mérida. Se inauguró entre los años 16-15 a. C. y fue el cónsul Marco Agripa el promotor de su construcción.
uno de los principales y más extensos conjuntos arqueológicos de España.

 Fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1993 por la UNESCO. El teatro se localizaba dentro de la ciudad romana en una situación períferica de la misma, junto a la muralla; apoyándose parte del graderío en el Cerro de San Albín.

Los protagonistas del espectáculo emeritense
A pesar de que no es abundante la información al respecto de estos personajes que vivieron y trabajaron por y para el teatro, los documentos emeritenses nos ofrecen algunos datos de cierta calidad e interés informativo.
Es sabido, la profesión teatral apenas poseía reconocimiento en la Antigüedad, pero no es menos cierto que las mujeres, dentro de esta general valoración, ocupaban el escalafón inferior. Los prejuicios sociales al respecto de la profesión se han mantenido en nuestras mentalidades, abandonándose afortunadamente hace ya bastantes años.
Inscripción funeraria de la mima Cornelia Nothys. FOTO: C. López

En esta sencilla placa en mármol, posiblemente como cubierta de su austero y pobre enterramiento, se recuerda a la persona de Cornelia Nothys, y son dos compañeros de la compañía teatral, Sollemni y Halyi, los que le dedican la inscripción. Esta mujer, que no sabemos si fue o no emeritense, se ganaba la vida como secunda mima, dentro de unagrex teatral, cuyos componentes poseen raigambre oriental, a juzgar por sus denominaciones.


Durante siglos estuvo soterrado, manteniéndose visible sólo la parte superior del graderío que conformaba siete grandes bloques conocidos popularmente como las Siete Sillas.
Levantado siguiendo fielmente las reglas de los tratados de Vitrubio, muestra semejanzas con los teatros de Dugga (Túnez),Orange (Francia) y Pompeya (Italia).

 El edificio responde a un modelo típicamente romano, ya establecido anteriormente en las construcciones de Pompeya y Roma, siendo el diámetro de su cavea de unos 86 metros.

El graderío -cavea-, con una capacidad para 6000 espectadores, se construyó, en parte, aprovechando la ladera del cerro de San Albín. Se halla dividido en tres sectores ima, media y summa cavea. La orchestra -en la que se situaba el coro- está rodeada de tres gradas de honor reservadas para las autoridades.
El acceso a estos sitios de privilegio se realizaba a través de pasillos abovedados, itinera, cuyo exterior se coronaba por sendos dinteles en granito en los que se conservan las inscripciones de la inauguración del monumento, donde se refiere al yerno de Augusto, Marco Agripa, como posible donante del complejo en el año 16-15 a.C. Sobre estos dos corredores se disponían dos tribunales
Puerta del aditus maximus con la inscripción inaugural del teatro y restos del primitivo enlucido de estuco (FOTO: C. López).
La parte inferior en la que se situaban las clases sociales más acomodadas, está excavada y sustentada en la propia pendiente del terreno, sin soportes artificiales, según la tradición griega y al igual que otros teatros enclavados en España.

 Esta parte se subdivide en cinco sectores radiales (cunei) delimitados por escaleras para la circulación y, a nivel horizontal, por un corredor (praecintio) que lo separa de las graderías superiores, sustentadas por un complejo sistema de arcos y bóvedas de cañón. En el graderío los romanos se aseguraron de que hubiera muchos pasillos y vías por las que evacuar a la gente en caso de incendio, que en esa época era frecuente.

El proscenio rectangular, el escenario o pulpitum y por último el frontal de la escena (scaenae frons), constituyen la vista más espectacular y característica del teatro, tiene 7,5 m de anchura, 63 de longitud y 17,5 de altura total.


 Está formado por dos cuerpos de columnas de orden corintio con basamentos y cornisas de mármol, adornado con esculturas en los espacios entre columnas y en él se abren tres puertas, una central llamada valva regia y dos laterales llamadas valvae hospitalia. Se aprecian fuertes retranqueos en la disposición de los sillares, en concordancia con el dinamismo estructural y compositivo de la escena. 

La zona más espectacular del teatro es el frente de la escena, con dos cuerpos de columnas de mármol. Entre ellas, una serie de esculturas completaba la decoración: Ceres, Plutón, Proserpina y estatuas, con togas unas y con corazas otras, que se han interpretado como retratos imperiales.
Se desconoce como fue el frente escénico original, ya que el actual parece ser que fue construido en época de Trajano.

En este teatro, no hace falta micrófono para poder hablar, porque tiene una abertura con la que se puede hablar perfectamente sin necesidad de micrófono y se escucha perfectamente.

Al fondo, en eje con la puerta central de la escena, se sitúa una pequeña habitación dedicada, según se deduce de los hallazgos allí realizados -entre otros la cabeza velada de Augusto-, al culto imperial.


fuentes: Dra. Trinidad Nogales BasarrateMuseo Nacional de Arte Romano,departamento de investigación .pagina:Teatro Romano | Consorcio Ciudad Monumental de Mérida

miércoles, 31 de octubre de 2012

La Capilla Sixtina Milagro de Miguel Angel




En este mes de Octubre cumple 500 años.

La Capilla Sixtina debe su nombre al papa Sixto IV della Rovere (1471-1484), que quiso edificar un nuevo ambiente de grandes dimensiones en el lugar donde surgía la “Capilla Magna”, aula fortificada de edad medieval, destinada a las reuniones de la corte papal.

Según algunos especialistas, las medidas del aula (40,23 metros de largo, 13,40 de ancho por 20,70 de altura), tendrían la finalidad de reproducir las del gran templo de Salomón en Jerusalén, destruido por los romanos en el año 70 d.J.C.

La entrada principal de la Capilla, en el lado opuesto a la actual, más pequeña, está precedida por la grandiosa Sala Regia, destinada a las audiencias. 
Unas ventanas cimbreadas (arqueadas en la parte superior) aseguran la iluminación del ambiente y el techo, con bóveda en cañón, se une a las paredes laterales de lunetas (o bovedillas) y enjutas triangulares.

Terminada la estructura arquitectónica en 1481, el papa Sixto IV llamó a los más famosos pintores florentinos, Botticelli, Ghirlandaio, Cosimo Rosselli y Signorelli; de Umbría, a Perugino y Pinturicchio para la decoración de la Capilla. 

Estos artistas decoraron las paredes laterales, divididas en tres franjas horizontales, y marcadas verticalmente por elegantes pilastras salientes.
El cielo o techo dela Capilla, como muestra un famoso dibujo del Cinquecento hoy en los Uffizi de Florencia, hasta la altura de las lunetas había sido decorado con estrellas doradas sobre fondo azul por el pintor Pier Matteo d’Amelia.

Tocó al sobrino de Sixto IV, el emprendedor Giuliano della Rovere, más tarde papa Julio II (1503-1513), hacer que se completaran las decoraciones pictóricas del interior de la Capilla y, en el ámbito de una grandiosa renovación de la ciudad, llamó a Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) a Roma.

En mayo de 1508 Michelangelo Buonarrotti aceptó de mala gana el encargo que le hizo el papa Julio II para que decorara la  bóveda de la Capilla Sixtina.

 Se le acababa de hurtar por intrigas políticas el  proyecto escultórico del mausoleo del Papa, del que llevaba ya varias piezas trabajadas, y no tenía ninguna gana de cambiar de proyecto y menos por uno pictórico.

Al artista tampoco le gustaba el tema que le propuso Julio II, representar a los doce apóstoles.
Tras un mal comienzo, decide licenciar a los ayudantes que le rodean, hace borrar lo que ya estaba pintado, y rebosante de inspiración se encierra a solas con su obra para realizar sin apenas descanso una obra que asombra por el ingenio que derrocha al representar cerca de 350 figuras sobre nada menos que 500 metros cuadrados de superficie (13,75 x 39 metros).

La obra fue realizada en cuatro años de duro trabajo, (de 1508 a 1512), y su tema es la historia de la humanidad en el período que precede al nacimiento de Cristo.

 La pintura de la pared con el “Juicio Final” fue realizada más tarde por el mismo artista: de 1536 a 1541, apetición del papa Paulo III Farnesio (1534-1549), que le había confirmado el encargo del anterior papa Clemente VII (1523-1534).

Esta vez el tema representado es el Hado ineluctable, amenaza que se cierne sobre todos los hombres, pues sólo Dios es el árbitro del destino humano.


Las escenas centrales del Génesis. 

Miguel Ángel desarrolló un nuevo programa iconográfico cuyo tema central fue el libro del Génesis, desde la creación a la caída del hombre en el pecado. 
El Dios que creó el mundo y todas sus criaturas, pero que también castigó a la humanidad por su pecado a sufrir con el trabajo y el dolor.

Hay nueve escenas centrales: cuatro en rectángulos de gran formato y cinco en pequeño. 

Los grandes narran cronológicamente: La separación de la luz y las tinieblas.
 La creación de Adán.

El pecado original y la expulsión del jardín del Edén .

Y El diluvio universal. 

En los cinco rectángulos más pequeños aparecen: La creación de los astros, La separación de tierras y aguas.

 La creación de Eva, El sacrificio de Noé y La embriaguez de Noé. Algunas de estas escenas no habían sido pintadas en el renacimiento por ser difíciles de llevar a materialización plástica.

La escena más famosa es la de La creación de Adán. Dios Padre, llevado por un grupo de ángeles y arropando con su brazo izquierdo a la preconcebida Eva, da vida con un ligero toque de su dedo índice a Adán, el primer hombre. 

La figura de Dios Padre es atlética y enérgica, está en plena tensión y su cabello y su capa es movida por el viento. Adán es un bello kuros que empieza a despertar. Su cuerpo refleja los ideales clásicos. 
El acercamiento de sus dedos sobre un fondo neutro produce un efecto de alta intensidad muy notable, que se ha convertido en el detalle más señalado del tema.

Pinchando en las imàgenes se ven a mas resoluciòn.
Continuarà  pronto.

domingo, 14 de octubre de 2012

CASTILLO DE COLOMARES BENALMADENA HOMENAJE AL DESCUBRIMIENTO.









Y, el sueño de un Iniciado, el Castillo de Colomares , situado en el municipio de 
Benalmàdena, en un enclave privilegiado, a escasos metros de la Stupa mas grande de Europa,  sobre extrañas corrientes de aguas està repleto de sìmbolos, marcas , tanto templarias como gnòsticas, incluso se encuentra tallado en sus muros el triple cìrculo de la paz universal de Roderik.

Como nota curiosa diré que ese edificio que hoy se ha convertido en emblemático de Benalmádena, en su día fue una verdadera lucha con el ayuntamiento por no poseer estudios arquitectónicos, pues se realizó a capricho del propietario y como se hacían los castillos en el medioveo, esto es, cogiendo como base una gran roca que había en su finca y que salvaba un gran desnivel y ...ya ves, tenían y tenía razón, no hacían falta los estudios de los arquitectos para levantar esa mole .
“”COLON era un gran navegante, ilustrado en geografía, astronomía, Sagradas Escrituras, matemáticas, humanidades, etc. Escribió en latín clásico y en un hermoso castellano. Jamás escribió en italiano o portugués. Siete años antes del descubrimiento, COLON, presentó su plan a otros Estados y sólo los Reyes Católicos lo aceptaron.

Necesitó expertos marinos para sus empresas y los logró encontrar en Palos de la Frontera, provincia de Huelva. Fue Martín Alonso Pinzón quién logró que aquellos verdaderos “lobos marinos” acompañasen al Almirante.



 Hemos colocado la cabeza de un caballo en bronce como símbolo de aquel gran marino onubense a manera de Pegaso o caballo mítico.
Fue la corona de Castilla y su Reina Isabel quién le ayudó y creyó en el, y ahí están sus escudos también en bronce en agradecimiento y reconocimiento perpetuo.

Salieron de Palos el día 3 de agosto de 1492, eran 96 tripulantes, casi todos andaluces, y después de unos días de avituallamiento y reparación de sus naves en las islas Canarias partieron rumbo a lo desconocido y llegaron a un islote 33 días después. Era el día del Pilar un 12 de octubre de 1492.

 La Isla fue bautizada con el nombre de SAN SALVADOR, y los nativos la llamaban “Isla de las Iguanas”. En el Castillo existe un pequeño oratorio con la imagen de nuestro Señor Salvador y le acompaña una campanita marinera en recuerdo de la Isla.

Quedan representadas las tres naves que COLON utilizó en su travesía, la Niña, la Pinta y la Santa María en éste Castillo Monumento. La Niña en lo más alto de la construcción, bajo el arco de la Rábida, el Monasterio que dio cobijo a  COLON cuando llegó desde Portugal. 

La Pinta, en la fachada principal, siendo esta la nave de los hermanos Pinzones, con el caballo Pegaso, que la sostiene. La Santa María, aislada de las otras dos, pues esta nave sufrió un accidente y se hundió el día de Navidad, en Santo Domingo. Los tripulantes, que eran del orden de 39 marineros, se quedaron en la Isla y no regresaron a España, ya que fallecieron a manos de los indígenas.

 COLON murió después de hacer cuatro viajes y en el Castillo Monumento Colomares hemos representado un mausoleo con un hermoso rosetón gótico. Es su quinto viaje a la Eternidad, y sus restos reposan nadie sabe dónde como tampoco nadie sabe dónde nació a ciencia cierta.

Fue España y en particular Andalucía quién protagonizó aquel descubrimiento que indudablemente cambió el mundo, para bien según algunos y para mal según otros. Pero aquello ocurrió y aquí nos lo cuentan y testimonian las piedras del Castillo Monumento Colomares.””
Descripción de Colomares escrita por el Dr. Esteban  Martín Martín, su  creador.
 El Dr. Martín falleció el 8 de Febrero del 2001. 


En 1987 el Dr. D. Esteban Martín Martín comenzó esta singular obra de forma improvisada y con la ayuda de dos albañiles creó Colomares en siete años de trabajo artesanal utilizando ladrillo, piedra y cemento. Gracias a sus conocimientos de arte, historia y arquitectura el Dr. Martín pudo moldear esta obra a su antojo conviertiéndola en un "unicum" por la forma de narrar pétreamente el Descubrimiento de América. 

Esta fantasía arquitectónica contiene estilos tan arraigados en nuestra historia como el "mudéjar", "bizantino", "románico" y "gótico"... Así que el castillo se convierte en monumento a las culturas que dejaron su rastro en España.
El Castillo Monumento Colomares ofrece a los grupos, previamente concertados, charlas personalizadas y guiadas por el recinto monumental. en diferentes idiomas sin coste adicional.
En su interior encontramos la capilla más pequeña del mundo (registrada en el Libro Guinnes de los Récords) de apenas 1,96 metros cuadrados y dedicada a Santa Isabel de Hungría y unas bellísimas vidrieras.

La capilla está construida con piedra policromada, y a pesar de su estrechez incluye una escalera de caracol de quince peldaños. Cuando se celebran misas, que muy rara vez se ofician en la iglesia, los fieles se ven obligados a escucharlas desde fuera.
El Castillo de Colomares y su  creador, defiende la teoria de que  Cristobal Colon era mallorquin, tras rigurosos estudios.
En su interior encontramos, como toda iglesia que se precie, vitrales, velas, imágenes religiosas y un altar sobre el cual lo que encontramos es un Cristo, ya que la imagen de Santa Isabel que estaba destinada al emplazamiento, no cabía.

Además encontramos un mausoleo vacío, donde el creador del monumento deseaba que algún día descansaran los restos de Colón.
El Castillo de Colomares , ademàs de un homenaje al descubrimiento de Amèrica y a los personajes que lo hicieron posible, es un  Monumento al sueño de un Iniciado que culminò en siete años y que, a mi parecer a traves de un magno trabajo exterior quizà encontrò lo que buscaba, su Magnun Opus.